Les Cahiers

La collection « Les Cahiers » permet de découvrir une création contemporaine, de sa conception à sa réalisation, dans différents domaines : céramique, verre, design, architecture, mode, artistes plasticiens, etc. La plupart des ouvrages de cette collection sont accompagnés d’une illustration originale en édition limitée, spécialement réalisée par le créateur. Toutes les parutions sont des éditions bilingues français/anglais.

Sous-catégories

Andrea Branzi - Louis...

Andrea Branzi présente Louis XXI, porcelaine humaine, ensemble créé par l’architecte et designer Andrea Branzi avec Sèvres – Cité de la céramique. Ces onze pièces ont chacune été réalisées en série limitée de huit exemplaires. Ces objets conçus en porcelaine tendre teintée dans la masse (coupes, calices, corolles et bougeoirs) révèlent des formes légères et ondoyantes, végétales et sensuelles…

Une création fidèle aux réflexions de l’artiste sur l’hybridation et la nature.

Connu pour sa capacité à donner sens à l’objet dans sa dimension humaine et culturelle, Andrea Branzi, en s'inspirant du vocabulaire traditionnel de la Manufacture, a souhaité inscrire Louis XXI, porcelaine humaine dans la grande tradition de Sèvres : coupe montée ou sur pied, calice pied haut ou corolle pied bas forment un nouvel apparat, une manière contemporaine d’envisager les traditions les plus ancrées.

Édition limitée : une sérigraphie originale (50 x 60 cm) conçue par Andrea Branzi a été spécialement éditée à cette occasion. Tirage limité à 100 exemplaires signés et numérotés.

Andrea Branzi est un architecte et designer italien. Né en 1938 à Florence, il vit et travaille à Milan. Entre 1964 et 1974, Andrea Branzi appartient au groupe d'avant-garde Archizoom et dans les années 1980, il fait partie du groupe Memphis fondé par Ettore Sottsass. Andrea Branzi travaille dans les domaines du design, de l'architecture, de l’urbanisme et enseigne à l'École polytechnique de Milan.
Pierre Paulin - Le...

L’histoire du siège Anneau, dernière création de Pierre Paulin démarrée avec Ligne Roset peu de temps avant sa disparition en juin 2009, est présentée dans ce nouveau volume de la collection « Les Cahiers ».

Ce livre vient rendre un hommage au designer à l’immense talent, au précurseur de nouvelles formes, à cet esprit étonnamment jeune à quatre-vingt ans passé. « Paulin a toujours souhaité que ses créations soient mises au service du plus grand nombre, pour le plaisir esthétique et sensuel de tous » rappelle Michel Roset dans sa préface. Le siège Anneau vient de façon éclatante nous le rappeler.

Texte en anglais et français par Elisabeth Védrenne (critique d'art).

L'édition limitée (100 exemplaires) est accompagnée de la reproduction d’un dessin original de Pierre Paulin représentant le siège Anneau. Chaque dessin est numéroté.
Andrée Putman - Clin...

Tout a commencé par un dîner entre Andrée Putman et Sir Terence Conran, l’homme qui a « inventé » le design en Europe avec Habitat, la chaîne qui a changé le décor quotidien de millions de personnes. Au cours de ce dîner à Paris, Sir Conran a demandé à Andrée Putman de créer une collection entière de meubles pour Litton Furniture, un petit atelier d’ébénisterie où travaillent dix artisans avec un savoir-faire exceptionnel. Autrefois, Litton, installé dans la campagne du Dorset, construisait les plus beaux yachts en bois. Aujourd'hui, l'atelier est le fournisseur attitré de Linley, le studio du neveu de la Reine Elizabeth, dont la liste de clients est la plus prestigieuse du Royaume-Uni. Andrée Putman a accepté de dessiner une collection de cinq meubles exceptionnels : des pièces au design original et raffiné, avec une touche d'humour et une sophistication extrême.

Texte de Michèle Lécluse, critique d'art.

L'édition du livre est accompagnée d'un tirage de tête comportant une sérigraphie originale d’Andrée Putman, signée et numérotée, limitée à 250 exemplaires (42 x 30 cm).
Christian Biecher -...

Présentation de l'une des dernières réalisations de l’architecte Christian Biecher : "Lace in Sèvres". Invité par la Manufacture nationale de Sèvres pour initier un projet commun, l'artiste inspiré de l’Op Art s’est prêté au jeu.

La Manufacture de Sèvres souhaitait remettre en place son département de céramique architecturale en lui insufflant la force de l’art contemporain, mais en conservant un certain attachement à ses traditions. Inconsciemment, Christian Biecher a suivi les pas de Pierre Patou qui dessina en 1925 "pour l’Exposition des Arts Décoratifs des vases monumentaux".
Christian Biecher a su se conformer aussi bien aux exigences du matériau (la porcelaine) qu’à l’objet-phare de la Manufacture de Sèvres (le vase), en arguant son esprit « cinétique », imposant ses lignes jouant avec les illusions d’optique. Utilisant la technique du « réticulé », il crée des jeux d’ombres et de lumière qui rendent sa création véritablement sensuelle. "Lace in Sèvres" se multiplie à l’envie : il peut être simple vase, comme devenir un claustra, véritable construction géométrique.

L’auteur du texte est Cédric Morisset, commissaire d’exposition et journaliste. La préface est de David Caméo, directeur de la manufacture nationale de Sèvres.

L’édition de tête, limitée à 250 exemplaires, est accompagnée de l’illustration originale « Lace in Space » (42 x 30 cm) signée et numérotée par Christian Biecher.

"Lace in Sèvres" a été présenté au Design Parade à la villa Noailles – juillet 2009.

Christian Biecher. Architecte, diplômé en 1989 de l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-Belleville, appartient à une nouvelle génération de créateurs, sensible aux croisements de différentes disciplines artistiques : architecture, aménagements intérieurs et design se fondent dans une même approche.Vit et travaille à Paris.
Christian Lacroix vu...

D’avril 2007 à juillet 2008, de la villa Noailles dans le sud de la France au Chili dans l’hémisphère sud, ce nouveau Cahier présente l’histoire d’une collaboration inédite entre le couturier Christian Lacroix, le designer David Dubois et le chorégraphe Christian Rizzo.

Vingt vêtements, issues des collections du couturier parisien ont été mis en scène par les deux plasticiens à l’occasion d’une exposition rétrospective célébrant 20 années de créations de la Maison Lacroix. Cette « Carte blanche » aura été l’occasion de mettre en jeu l’univers emblématique de Christian Lacroix et son goût transversal pour différentes formes de créations comme l’art, la mode, le design ou encore la danse. David Dubois et Christian Rizzo ont souhaité organiser une exposition de mode différente, plus inattendue, faite de décalages et de frictions entre la présentation du vêtement et sa représentation. Créer une certaine forme de théâtralité à partir de gestes et mouvements du quotidien. Ce cahier retrace l’itinérance de cette exposition, un voyage à travers le monde.

Cinq pays, cinq lieux sont l’occasion de remettre en question cette exposition, fruit d’une rencontre, qui met en relation différents territoires de création.

Le Texte est de Laurence Salmon, journaliste et enseignante, à partir des propos recueillis de Christian Lacroix.

Une superbe édition de tête accompagne cette publication : 100 exemplaires sont recouverts d’un tissu précieux, création exclusive de la Maison Lacroix Haute-couture.
Cover Girl

Depuis plus de cinquante ans, la photographie de mode ne cesse de redéfinir les canons de la beauté féminine. Devenue l’une des cultures visuelles parmi les plus partagées au monde, cet art du portrait spécifique à la publicité et aux magazines de mode n’a jamais laissé la création contemporaine indifférente.

Le catalogue « COVER GIRL » édité à l’occasion de l’exposition éponyme à la Galerie des Galeries (janvier – mars 2011) présente une dizaine d’œuvres qui jettent toutes un regard décalé sur l’esthétique de la « belle femme » ordinairement véhiculée par l’univers de la mode.

Les œuvres présentées appartiennent à trois catégories différentes : celles qui ont été directement inspirées par la photographie de mode (Alex Katz, Juan Francisco Casas) ; celles qui détournent son langage spécifique pour élaborer un discours social ou politique critique (Joséphine Meckseper, Martha Rosler, General Idea, Michel Journiac, Claude Closky) ; et, enfin, celles qui l’utilisent comme s’il s’agissait d’un immense répertoire de formes poétiques (Hans-Peter Feldmann, Marlo Pascual, Rebecca Bournigault).

L’exposition « COVER GIRL » présentera également une sélection inédite de couvertures de magazines édités par les Galeries Lafayette entre 1906 et 1968.

Artistes présentés : Alex Katz, Claude Closky, General Idea, Hans-Peter Feldmann, Hsia-Fei Chang, Joséphine Meckseper, Juan Francisco Casas, Marlo Pascual, Martha Rosler, Michel Journiac, Rebecca Bournigault
Claude Bouchard -...

Création originale du créateur Claude Bouchard : le service de bar Donahue.

Claude Bouchard, Directeur Artistique de Puiforcat, apporte à cette maison la singularité de ses lignes. De manière passionnée, il dessine inlassablement les croquis de ses futures réalisations. Profitant souvent « d’une image fortuite ou d’un dessin griffonné » pour laisser émaner ses projets, c’est de cette manière que le service de bar Donahue est né.

Claude Bouchard signe là une réalisation singulière en argent massif, véritable œuvre d'art réalisée à la main, qui renouvelle les lignes de la maison Puiforcat.

Jeanne Quéheillard, professeur aux Beaux-Arts de Bordeaux et critique d’art, signe le texte à partir d’entretiens menés avec le créateur.

Une partie du tirage (250 ex.) est accompagnée d’un dessin original (42 x 30 cm), tiré en sérigraphie à 250 exemplaires, signés et numérotés par Claude Bouchard.
David Dubois - Une...

Présentation d'une création originale du designer David Dubois invité à concevoir dans le lieu historique et prestigieux, de la Villa Noailles, à Hyères (construite dans les années 1920 par l’architecte Robert Mallet-Stevens pour Charles de Noailles), le mobilier de l’une des chambres pour résidence d’artiste, la chambre n°3.

Le designer a reçu carte blanche pour réaliser ce mobilier : lit, chaise, bureau, rangements… des créations simples, fonctionnelles aux lignes originales. Les objets crées par David Dubois, ou objets-accessoires, proposent à l’utilisateur, dans un esprit « cool » et décontracté, des services complémentaires et alternatifs à leurs fonctions principales. C’est à Pierre Doze, comme auteur, que David Dubois a demandé de raconter l’histoire de cette création...

L'édition est accompagnée d'un tirage de tête comportant une illustration originale de David Dubois limitée à 250 exemplaires (42 x 30 cm), signés et numérotés.

Ce projet d'aménagement a reçu le soutien du ministère de la Culture et de la Communication (Délégation aux arts plastiques – Direction régionale des affaires culturelles de Provence-Alpes-Côte d'Azur), de la Fondation Search sous l'égide de la Fondation de France, de la Communauté d'Agglomération Toulon Provence Méditerranée, du Conseil général du Var, du Conseil régional Provence-Alpes-Côte d'Azur, de la ville d'Hyères.

David Dubois est né en 1971 à Dinan (France). Il est diplômé de l'École nationale supérieure de création industrielle (Ensci), à Paris.
Ettore Sottsass -...

Dernières créations 2005-2006 d’Ettore Sottsass à la Manufacture nationale de Sèvres – trois vases, un vase-coupe et un surtout de table – coproduites avec la galerie Mourmans et le Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques (Cirva). Avec de nombreuses photos inédites des ateliers de la Manufacture de Sèvres.

Le texte original est signé d’Ettore Sottsass. Préface de David Caméo, Directeur de la Manufacture nationale de Sèvres.
L’ouvrage présente également les premières créations d’Ettore Sottsass à Sèvres (1994–1996) composées d’un ensemble de 14 vases décorés et d’un surtout de table.
François Azambourg -...

Création originale du designer François Azambourg (élu créateur de l'année) : une série de vases en verre soufflé créée au Centre International d’Art Verrier (CIAV).

Quand l’imagination et la création rencontrent les savoir-faire et la technicité, le résultat est un ensemble de pièces étonnantes, « marquées » par l’empreinte du moule en bois (pin Douglas) à l’intérieur duquel la matière en fusion est soufflée. Un moule qui, pièce après pièce, se consume de l’intérieur et se déforme. Cinq pièces en verre, toutes uniques, sont issues d'un même moule. Michèle Lécluse, critique d’art, signe le texte à partir d’entretiens menés avec François Azambourg.

L’édition de tête, limitée à 250 exemplaires, est accompagnée d’un dessin original tiré en sérigraphie (42 x 30 cm), signé et numéroté par François Azambourg.

Trois séries spéciales de cinq vases Douglas de couleur noire et argent numérotés de 1 à 5, de I à V et de A à E, signés par François Azambourg, sont édités par Bernard Chauveau Éditeur (détail dans la rubrique "Objets d'artistes" du site).

François Azambourg (né en 1963, à Angoulême). La dimension industrielle et expérimentale des projets semble guider la pratique de François Azambourg, comme ce projet de chaise en tissu qui prendra sa forme définitive au moyen d’une résine, injectée, à solidification rapide… Les pièces de François Azambourg sont éditées notamment par Capellini. Il a été élu créateur de l’année au salon du meuble, Paris 2009.
Hilton McConnico -...

Création du designer Hilton McConnico pour la cristallerie Saint-Louis : le lustre Extravagance. Cette pièce de grande dimension, imaginée et dessinée par Hilton McConnico, a été réalisée entièrement à la main dans les ateliers de la prestigieuse cristallerie de Saint-Louis.

Esquisses, dessins inédits et photos originales nous invitent à découvrir un univers de création et d'excellence dans la grande tradition des arts décoratifs français au service d’un créateur contemporain. Le texte original est signé Hilton McConnico. L’édition comporte une série limitée à 350 exemplaires accompagnée d’une illustration originale de Hilton McConnico(42 x 30 cm), tiré sur papier Onion skin 30 g, signé et numéroté.
Jasper Morrison -...

Présentation d'une œuvre originale du designer Jasper Morrison (ensemble mobilier composé de tables basses modulables). Le commentaire est signé Laurence Mauderli, historienne du design. Cette édition est accompagnée d’une illustration originale spécialement réalisée par Jasper Morrison du designer, signée et numérotée.

Répertoire pour une forme. Les "tables basses en marbre" – Carrara tables – du designer britannique Jasper Morrison montrent que la spécificité d'un objet peut engendrer une nouvelle typologie d'objet.
Autrement dit, la table-banc ou inversement le banc-table peut aussi faire office d'étagère, offrant des possibilités dont l'inspiration est le principe de la modularité. Ce projet des "tables basses en marbre" fait état d'un équilibre proche d'une certaine grâce. Grâce se conjuguant entre la liberté qu'offrent la force de caractère du designer, la justesse de son raisonnement et sa quête d'une émotion esthétique. Avocat de la normalité, Jasper Morrison est connu pour ses produits industriels simples et pertinents. Cette adresse qu'il a pour concilier son goût pour le jeu quand il revisite l'histoire des formes ou quand il choisit un matériau est remarquable. Les "tables basses en marbre" illustrent bien ces derniers points. Issu d'une culture victorienne et moderniste, Jasper Morrison a non seulement opté pour la modernité, mais a réussi de plus à développer un langage accessible à tous qui vient naturellement s'inscrire dans l'histoire du design. Dans l'espace, les "tables basses en marbre" se mettent en valeur mutuellement. » Laurence Mauderli - février 2006.

Jasper Morrison est né à Londres en 1959, et obtient ses diplômes de Design à l’École Polytechnique de Design de Kingston et au Royal College of Art de Londres. Il passe aussi un an à la Hochschule der Künste de Berlin. En 1986, il ouvre un bureau de Design à Londres. Il est élu en 2001 “Royal Designer for Industry”. En 2003, une succursale est ouverte à Paris. En 2005, fondation de Super Normal avec Naoto Fukasawa.
Marc Barani - Un pont...

L'une des dernières réalisations de l’architecte Marc Barani (Équerre d’argent 2008 pour la gare des tramways de la ville de Nice) : le Pont Renault, vecteur de l’urbanisation de l’Ile Seguin et ses alentours.

Le livre présente la construction du pont Renault comme un cheminement, de la conception – dessins, plans, maquettes – à la réalisation, montrant la complexité du chantier et sa fabrication, la réalité du transport et de l’assemblage, jusqu’à la forme finale du pont : légèrement suspendue et posée dans le paysage.

Ce pont franchit le grand bras de la Seine entre l’île Seguin et la rive de Billancourt et s’inscrit entre le pont Daydé et une passerelle légère lancée plus à l’aval pour former une série dense de franchissements. Ce nouveau lien est à la fois le cordon ombilical technique de l’île, son seul accès automobile et une promenade qui sera sans doute l’une des plus spectaculaires de l’agglomération parisienne. Ce projet urbain va profondément transformer cette partie de la ville de Boulogne en pleine transformation et la réinstaller dans son territoire.

L’ouvrage participera à la fluidité des vides et des percées visuelles du nouvel aménagement par la figure d’une double charnière. La première, ancrée dans le sol de la rive droite, est urbaine. Elle articule le pont à la « ville parc », à l’arrivée du quartier du pont de Sèvres et aux quais. La seconde, aérienne, est suspendue au dessus du fleuve jusqu’à l’île Seguin.

L’auteur du texte (traduit en anglais) est Jean-François Pousse, rédacteur en chef de Techniques et Architecture

L’édition de tête, limitée à 250 exemplaires, est accompagnée d’une illustration originale du pont, signée et numérotée par Marc Barani.
Martin Szekely - Concrete

Création originale du designer Martin Szekely : le projet de tables Concrete.

Les recherches de Martin Szekely le conduisent le plus souvent à détourner des matériaux issus d’autres domaines d’activité pour les appliquer à son univers de création. Cette fois-ci, le designer nous surprend avec une très étonnante réalisation d’un ensemble mobilier en béton fibré : un décalage surprenant par rapport à la culture du bâtiment et à la destination originelle du béton utilisé pour la construction.

Texte (français et anglais) du critique d’art Christian Simenc.

Ce Cahier comprend un tirage de tête, limité à 300 exemplaires, accompagné d’un dessin original de Martin Szekely, signé et numéroté (42 x 30 cm).
Martin Szekely - Des...

Création originale et nouvelle du designer Martin Szekely, formant un ensemble de modules : « des étagères ». Ces éléments utilisent les matériaux de l’industrie aéronautique et une technologie d’assemblage précise. Ils sont édités à nombre limité d’exemplaires par la Galerie Kréo à Paris.

Texte de Christian Schlatter à partir de propos recueillis auprès de Martin Szekely.

Photographies de Marc Domage et Sandrine Aubry. Cette édition limitée (500 exemplaires) est enrichie d’un dessin original (30 x 40 cm), signé et numéroté par Martin Szekely.

Martin Szekely (né en 1956, à Paris) a travaillé pour des entreprises prestigieuses comme Perrier, Heineken, MK2, Christofle, Hermès, Bernardaud, EDF… Ses créations font partie des collections permanentes du Centre Georges Pompidou, du Musée des arts décoratifs et du Fonds national d’art contemporain à Paris. À l’étranger, ses œuvres appartiennent aux collections du Musée Cooper Hewitt de New York, du San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), du Musée d’art moderne d’Israël, à Jérusalem ou encore du Musée Kunstgewerbe de Berlin.
Mattia Bonetti - Happy...

Mattia Bonetti est l'homme de toutes les libertés, tout à la fois fantaisiste, provocateur et précieux. "Happy Birthday", est un cabinet en forme de grand paquet cadeau tel un « pied de nez » aux partisans du « less is more ». Il suffit de dénouer le ruban de bronze pour ouvrir les deux vantaux de la commode et accéder aux étagères. Meuble ludique et complexe à la fois, sa conception fait appel à des savoir-faire très pointus : ébénisterie pour l’assemblage, gravure pour les décors, bronze pour les rubans…

Mattia Bonetti signe là une réalisation d’exception, véritable objet d'art, éditée en série limitée par la David Gill Gallery de Londres. Le livre montre également les autres créations réalisées par Mattia Bonetti, ces dernières années, pour la galerie David Gill.

L'édition comprend un tirage de tête accompagné d’une composition originale (42 x 30 cm), présentant une réduction du développé de la commode « Happy Birthday » à monter soi-même. Ce tirage est limité à 250 exemplaires signés et numérotés par Mattia Bonetti.

Mattia Bonetti est né à Lugano (Suisse) en 1952. Il crée de nombreuses pièces de mobilier, notamment pour le décorateur Jacques Grange pour l’hôtel The Mark, New York.
Naoto Fukasawa - Le...

L'une des dernières créations du designer Naoto Fukasawa : le Vase Métro. Après avoir choisi une forme de vase dans le répertoire de la Manufacture de Sèvres, Naoto Fukasawa, adepte des objets du quotidien, s’est inspiré des carreaux de faïence présents sur les murs du métro parisien.

Le dessin de ce vase prend sens au sein de l’oeuvre de l’artiste nippon et de l’importance qu’il accorde aux objets d'usage courant. Mais, il crée aussi l’insolite en s’intégrant dans la production de Sèvres, attachée à perpétuer les traditions de processus de fabrication datant du XVIIIe siècle. En effet, l’utilisation d’un détail aussi prosaïque qu’un carreau de faïence du métro parisien issu de l’industrie vient se heurter au savoir-faire méticuleux et précis des artisans de la Manufacture de Sèvres.

Une douce provocation en guise d’invitation à la réflexion…

Naoto Fukasawa est né en 1956 au Japon.
Pierre Charpin -...

Nouvelles créations du designer Pierre Charpin pour la Manufacture nationale de Sèvres.

Dans le cadre d’une commande spécifique, la Manufacture nationale de Sèvres a demandé à Pierre Charpin d’imaginer de nouvelles formes destinées à entrer dans le patrimoine de la Manufacture, afin d’être le support de décors réalisés ensuite par d’autres artistes ou décorateurs. Deux nouvelles formes, le Vase Charpin, décliné en quatre tailles, et une coupe, centre de table en porcelaine, ont été ainsi créées. La commande spécifique de nouvelles formes, par la Manufacture, à des artistes contemporains est une tradition qui se perpétue depuis 1750.

En prolongement de ce projet, Pierre Charpin a proposé à la Manufacture un dessin supplémentaire, le Vase Ruban, variation de la nouvelle forme de vase, décliné en trois couleurs.

L'édition du livre est accompagnée d'un tirage de tête comportant une sérigraphie qui reproduit le dessin original du ruban vert, signée par Pierre Charpin et limitée à 250 exemplaires (42 x 30 cm).

Pierre Charpin
Né en 1962, Pierre Charpin vit et travaille à Ivry-sur-Seine. Plasticien de formation, diplômé de l’École des beaux-arts de Bourges en 1984, il consacre l’essentiel de son activité au design de mobilier et d’objets depuis le début des années 1990. Il est élu Créateur de l’année 2005 par le Salon du meuble de Paris.
Pierre Hardy - Success...

Un classique de la création de Pierre Hardy : l’escarpin bout ouvert. Si sa forme emblématique est reconduite depuis son origine, elle réapparaît dans chaque collection, sous de nouvelles facettes en se déclinant dans de nouvelles matières et différents talons. Esquisses, dessins inédits et photos originales nous invitent à découvrir l’univers de Pierre Hardy et les coulisses de son travail. Un parcours de la conception à la réalisation…
Le texte original « Success is a job in Paris » est signé Éric Troncy, critique d’art.

L’édition limitée à 350 exemplaires est accompagnée d’une sérigraphie originale de Pierre Hardy (42 x 30 cm), tirée sur papier Onion skin 30 g, signée et numérotée.

Pierre Hardy est né à Paris en 1956. En1990, il devient directeur de création chez Hermès pour les collections chaussures Femme, puis Homme. En 1999, il lance sa première collection.
Vanessa Bruno -...

Cet ouvrage a été édité à l’occasion de l’exposition « Dancing in the Moonlight », de Vanessa Bruno, présentée à la Galerie des Galeries (Galeries Lafayette Paris) de juin à août 2010 dans le cadre de « Paris & Création ». En tant qu’invitée de l’édition 2010, la créatrice parisienne a eu carte blanche pour présenter son univers et ses inspirations artistiques.

Passionnée d’art et de musique, Vanessa Bruno incarne parfaitement en France comme à l’étranger, une certaine idée de la Parisienne chic et décontractée, à l’instar d’une génération qui, de Paris à Tokyo, porte ses créations. Figure française de la mode son style suscite un engouement international.

Ce nouveau Cahier est une invitation à découvrir l’univers artistique de Vanessa Bruno. Texte de Vanessa Bruno en français et en anglais.

Édition de tête : les 50 premiers exemplaires sont enrichis d’un Polaroid® original signé de Vanessa Bruno.

Vanessa Bruno est la fille d’un top model danois dont le style moderne et bohême sera une source d’inspiration essentielle pour ses futures créations. Elle décide de fonder sa propre marque et ouvre sa première boutique en 1998. Les parisiennes adoptent spontanément ses créations urbaines et féminines. Vanessa Bruno a acquis depuis une reconnaissance internationale et est devenue une créatrice incontournable du paysage de la mode française grâce, notamment, à l’engouement des stars du grand écran, parmi lesquelles Vanessa Paradis, Lou Doillon, Kirsten Dunst, etc.
Vincent Dupont-Rougier...

Ensemble des meubles créés par le designer Vincent Dupont-Rougier pour le bureau de l’ambassadeur de France à Bucarest. Invité par les ateliers du Mobilier national à concevoir cet aménagement, le designer a été choisi pour son sens du graphisme, la simplicité de ses lignes, son souci du détail pratique et la qualité des matériaux proposés.

L’univers spécifique des ateliers de recherche du Mobilier national a permis d’offrir à Vincent Dupont-Rougier le temps nécessaire pour affiner son projet et lui donner une réelle légèreté, tant en termes physique qu’esthétique.

« Très architecturé, le bureau, avec ses pieds où la section triangulaire intervient comme une citation de l’écriture en angles aigus, se laisse traverser par l’air comme s’il ne voulait pas être ; comme s’il n’était que par la fonction seule » écrit Myriam Zuber-Cupissol, Inspectrice à la création artistique. Entre meuble et œuvre d’art, la bibliothèque est composée « de juxtapositions où toute orthogonalité est déviée, [de] rayonnages en biais dont on ne perçoit le chant que sur les côtés, [qui] provoquent une déstabilisation visuelle. Le subtil décalage qui en résulte laisse une impression à la fois familière et déroutante. »

Avec ses lignes épurées, cette réalisation est l’illustration parfaite d’une « exception française » que le Mobilier national entend défendre dans le domaine de la création contemporaine.

L’édition de tête, limitée à 250 exemplaires, est accompagnée d’une illustration originale (42 x 30 cm) numérotée et signée par Vincent Dupont-Rougier.
Michele De Lucchi - Le...

Sèvres – Cité de la Céramique et Baccarat ont mis à la disposition de Michele De Lucchi leur savoir-faire, leur histoire respective et leurs compétences pour produire simultanément, l’une en porcelaine de pâte dure, l’autre en cristal taillé, trois formes de coupes sur pied, nées de l’imagination de l’architecte milanais.

Ce nouveau « Cahier », le 25e de la collection, retrace les étapes de production au sein des deux manufactures. Fortes de leur collaboration avec de grands designers contemporains, dans une même approche de perfection, les deux célèbres maisons ont décidé de mener ensemble cette réalisation inédite. Elles révèlent une exceptionnelle collection Le Coppe della filosofia, composée de coupes sur pied réalisées dans une variante de matières où la dextérité du geste et du souffle est particulièrement présente.

La Coppa dell’etica est plate et ample, La Coppa della mistica haute et affinée, La Coppa dell’estetica, matrice originelle du projet en est la synthèse. Chaque coupe est en élévation, comme autant de lévitations ou de méditations spirituelles. Texte en français et en anglais : Michele De Lucchi / David Caméo.

Édition limitée. Les 100 premiers exemplaires du livre sont accompagnés d’une sérigraphie originale, signée et numérotée, spécialement créée par Michele De Lucchi pour ce cahier. Format : 53 x 35 cm.

Né en 1951 à Ferrare, Michele De Lucchi est une figure incontournable du design expérimental et radical. Il fait partie des acteurs majeurs de la scène italienne à l’origine des mouvements Cavart, Alchymia et Memphis. Ses créations sont aujourd’hui exposées dans les plus grands musées de design du monde.
Michele De Lucchi -...

La manufacture Pleyel a ouvert ses portes à Michele De Lucchi, l’un des plus grands designers contemporains italiens. Découvrez l'univers poétique, artistique et hautement technique de cette fabrique de pianos si célèbre. Une rencontre entre la manufacture au savoir-faire bicentenaire et ce grand designer italien pour créer des objets d’exception : un piano, bien évidemment, mais, « au-delà du piano », une ligne inédite et originale de mobilier d’exception.
Riche de plus de 200 ans d’histoire, la manufacture Pleyel, établie à Saint-Denis (93), est une entreprise labellisée « Entreprise du patrimoine vivant » depuis 2008. Elle est la plus ancienne manufacture de pianos au monde et l’unique en France, avec des savoir-faire rares aujourd’hui déclinés sur de la fabrication de mobiliers d’exception, réalisés dans le cadre de commandes spéciales ou d’édition.
Dès le début, bois, cintrage, sculpture, laque ont inspiré Michele de Lucchi tout autant que l’histoire et la culture de la Manufacture Pleyel. Le piano, ce précieux instrument que le designer imagine posé sur « des tréteaux ou des chevalets » pour mieux le mettre en valeur et le scénariser. Les arêtes et les lignes sont arrondies, les courbes s’expriment grâce à l’exceptionnelle maîtrise du bois sculpté et cintré. Pieds, lyre, porte-partition semblent en flottaison, grâce à un style aérien et fluide, renforcé par le parti-pris de les créer en bois massif naturel par contraste avec le corps en laque noire de la partie instrumentale.
Michele De Lucchi a travaillé à partir des différents métiers de la Manufacture Pleyel – l’ébénisterie de qualité, la laque, le vernis – pour créer une ligne de mobilier d’exception qui démarque Pleyel des autres fabricants-éditeurs. Il a imaginé des cabinets-vitrine pour des collectionneurs, des galeristes, des musées, des amateurs exigeants en recherche d’exception, pour exposer des oeuvres d’art et des objets précieux.
Texte en français et en anglais: Michele De Lucchi / Arnaud Marion.

Édition limitée. Les 100 premiers exemplaires du livre sont accompagnés d’une sérigraphie originale, signée et numérotée, spécialement créée par Michele De Lucchi pour ce cahier. Format : 37 x 37 cm.

Né en 1951 à Ferrare, Michele De Lucchi est une figure incontournable du design expérimental et radical. Il fait partie des acteurs majeurs de la scène italienne à l’origine des mouvements Cavart, Alchymia et Memphis. Ses créations sont aujourd’hui exposées dans les plus grands musées de design du monde.
Martine Bedin /...

Martine Bedin dessine des vases. Jeannette Montgomery Barron photographie des natures mortes. Toutes deux se retrouvent à Sèvres, autour d’un projet inédit présenté dans ce « Cahier » où, À petit pas, leurs réflexions les mènent à une réalisation commune, singulière mêlant leur langage plastique propre : la photographie est peinte à la main sur une des faces du vase. « Depuis longtemps le thème du vase m’obsède (…). Mais le vase est l’écrin précieux de l’agonie des fleurs. Le combat deviendrait-il presque égal ? De la fleur ou du vase, lequel se brisera en premier ? Inclure la photo d’une fleur au cœur de l’objet, c’est comme citer le souvenir d’une dignité disparue. La dignité de l’objet, c’est de remplir sa mission » explique Martine Bedin.
La photographie donne à l’objet son sens, son usage et sa fonction première. Martine Bedin a créé six nouveaux vases en porcelaine tendre (Bottle, Ivy, Poppies, Tulip, Wisteria et Vase&vase), tous constitués d’une matrice centrale, d’une sorte « d’archétype de vase ». Pour cinq d’entre eux, la matrice est surmontée d’un col reprenant en miniature des formes emblématiques de Sèvres.
Chacune de ces pièces reçoit un décor différent peint à la main résultant de la reproduction de photographies prises spécialement par Jeannette Montgomery Barron, tandis que le sixième vase est constitué à partir d’une forme créée par Martine Bedin. Jeannette Montgomery Barron s’est immiscée au cœur des ateliers de Sèvres – Cité de la céramique pour apprécier les différentes étapes de la création des vases en s’attachant à mettre en lumière le travail des artisans de la manufacture par ses portraits photographiques. Texte de Claude Eveno.
Claude Lévêque - Hymne...

Né en 1953, Claude Lévêque est un artiste majeur de la scène française et internationale. Ses œuvres se réfèrent à la culture populaire, à l'environnement quotidien, aux images mentales.

Il crée des ambiances, des environnements et des objets tout en élargissant la dimension de ses installations par l’utilisation de l’efficacité sensorielle de la lumière et du son. Jouant de la capacité des œuvres à provoquer des émotions visuelles et sensibles, il bouscule les habitudes perceptives.
Ce qui importe dans les installations de Claude Lévêque, c’est de vivre avec elles et de les laisser pénétrer en nous-mêmes...

Ses installations ou scénographies sont exposées dans de nombreux musées ou institutions, en France et à l’étranger, comme : « The Diamond Sea » au CRAC de Sète (2010), « Le Grand Soir » pour le Pavillon français de la 53e Biennale d’art contemporain de Venise (2009), « Le Grand Sommeil » au MAC/VAL (2003), « Albatros » au MAMCO de Genève (2002), « My Way » pour l’ARC/Musée d’Art moderne de la ville de Paris (1996), etc.

« Hymne à la joie », en référence à la neuvième symphonie de Beethoven, est une installation réalisée in situ pour l’espace de la Galerie des Galeries à Paris en juillet 2011, utilisant le son et la lumière pour immerger le spectateur dans une ambiance forte et l’inviter à s’extraire de la réalité...
Into the Woods

Le livre Into the Woods accompagne et prolonge l’exposition éponyme à la Galerie des Galeries, aux Galeries Lafayette. Cette exposition esquisse à travers le travail de onze artistes femmes, un paysage mental fantasmagorique. Peinture, sculpture, dessin, vidéo, œuvre sonore ou installation, les techniques employées sont multiples et amorcent un parcours énigmatique.

Réminiscences de contes de fées ou folklore sylvestre sont convoqués en filigrane et les œuvres surgissent comme des incantations. Leur apparente obscurité offre de multiples passages dans des univers parallèles, où l’ensorcellement nous attend. Entre des semblants de rituels, un cabinet d’œuvres au noir et une dernière note alchimique, le visiteur se perd pour mieux se retrouver lui-même.

Liste des artistes de l'exposition et présentées dans le livre :
Laëtitia Badaut Haussmann, Sophie Bueno-Boutellier, Susan Collis, Marcelline Delbecq, Mimosa Echard, Alicja Kwade, Maria Loboda, Anne Laure Sacriste, Iris Van Dongen, Jessica Warboys, Anne Wenzel.

Née en 1977, Daria de Beauvais, commissaire de l’exposition, est actuellement curatrice au Palais de Tokyo. Elle mène en parallèle des activités de commissaire d’exposition indépendante, assurant entre autres la programmation de la Galerie Saint-Séverin à Paris.
In a Sentimental Mood

Empruntant son titre à la chanson de Duke Ellington et John Coltrane, l’exposition
« In a Sentimental Mood » propose un voyage à travers différentes facettes de l’humeur sentimentale.

Réunissant des œuvres de Félix Gonzalez-Torres, Jiri Kovanda, Myriam Mechita, Daphné Navarre, Marylène Negro, Jack Pierson, Alessandro Raho et Jimmy Robert, huit artistes de générations et de nationalités différentes, l’exposition imaginée par la commissaire Vanessa Desclaux interroge tour à tour l’universalité et l’extrême singularité du sentiment amoureux.

Composée de films, d’installations, de sculptures et de portraits, l’exposition fait cohabiter le désir et la nostalgie, la sensualité et la mélancolie, évoquant la complexité d’une expérience vécue à travers une iconographie contemporaine. Chacune des œuvres de l’exposition développe une approche unique, puisant dans des registres gestuels, visuels ou sonores afin d’interroger les limites du langage face à la profondeur d’une émotion.

« In a Sentimental Mood » propose d’évoluer dans différents espaces au sein desquels une constellation d’objets et d’images emporte le visiteur dans différents univers où se recomposent un désir, un souvenir, une dédicace, une déclaration, une solitude, un fantasme, un corps aimé ou amoureux.

La réinvention de la lettre d’amour, l’exploration du potentiel poétique d’un objet ou encore l’évocation d’une étreinte sont autant de manières qu’ont choisi les artistes pour exprimer les multiples états de la rêverie sentimentale.

EXPOSITION : Galerie des Galeries (Galeries Lafayette Paris) : 27 juillet – 24 août 2013
Henrik Vibskov - Neck...

Première monographie en France de Henrik Vibskov, créateur de mode danois, au style éclectique et riche en couleur, Bernard Chauveau Editeur publie un livre sur l'artiste scandinave à l'occasion d'une exposition parisienne. Diplômé en 2001 de la Central Saint Martins, il a depuis réalisé 20 collections.

Son approche particulièrement plastique de la mode l’a très vite amené à s’intéresser à d’autres champs artistiques tels que la danse, le théâtre, ou la musique. Artiste protéiforme, ses créations ont été présentées dans des institutions de renom comme le PS1 – Moma à New York, l’ICA (Institute of Contemporary Art) à Londres, le Palais de Tokyo à Paris ou encore le Temple Kiyomizu-Dera à Kyoto.

Déjà invité en 2010 par la Galerie des Galeries, en 2013 le lieu lui laisse carte blanche pour réaliser sa première exposition à Paris : « NECK PLUS ULTRA ». Le titre de l’exposition est un jeu de mots entre l’expression latine nec plus ultra, qui signifie « ce qu’il y a de mieux », et le terme neck (« cou », en anglais), référence anatomique qui fait également écho au nom de la collection automne-hiver 2013 d’Henrik Vibskov, « The Stiff Neck Chamber » (défilé à Paris le 17 janvier 2013).

Avec une tonalité toujours poétique, ludique et étrange à la fois, il nous fait ici découvrir ses inspirations et nous plonge dans son univers. Couleurs éclatantes, formes géométriques, l’artiste propose une exposition multimédia qui mêle la vue, l’ouïe et le toucher. Il présente notamment une salle du torticolis (Stiff Neck Chamber) avec des cous d’oiseaux suspendus au plafond, ou encore une promenade psychédélique dans un tunnel à spirale. Une expérience complète, stimulante et décalée, qui nous fait passer d’un état à l’autre.

L’édition limitée du livre est accompagnée du foulard « Neck Plus Ultra » est une création originale du couturier Henrik Vibskov. Réalisé en impression sur soie, il mesure 100 cm x 100 cm ; il est l'objet d'une édition limitée à 100 exemplaires.
Régis Mayot - Jeanne...

Le Centre International d’Art Verrier (CIAV) de Meisenthal croise le regard de créateurs contemporains avec la culture technique d’un territoire. Depuis 15 ans, le CIAV collecte d’anciens moules de soufflage encore fonctionnels pour constituer un fonds technique, qui outre sa fonction conservatoire, incarne aujourd’hui un objet de recherche.

En 2011, sur une proposition de l’éditeur Bernard Chauveau, le CIAV invite le designer Régis Mayot dans ses ateliers. Après de nombreuses expérimentations, Régis Mayot s’affranchit d’une utilisation des performances classique des moules, mais s’attache à révéler « l’outil-moule » dont l’esthétique est le résultat des performances techniques et mécaniques qui lui incombe. Par un processus de moulage au sable, le designer Régis Mayot a ainsi révélé la beauté mécanique de ces outils en produisant les empreintes d’une sélection de moules, ensuite soufflées par les verriers.

L’outil fonctionnel originel devient alors un objet étonnant révélant son esthétique inattendue. "Jeanne et Cie" (du nom d’un des moules choisis par Régis Mayot, accompagné de sa suite) peut désormais parader paisiblement, nous rappelant à cette occasion combien il est important de ne pas se contenter de voir, mais de prendre aussi le temps de regarder.
Philippe Jarrigeon -...

Du 23 septembre au 15 novembre 2014, la Galerie des Galeries fête les 25 ans de l’ANDAM et invite le photographe Philippe Jarrigeon à réaliser une exposition. Celui-ci imagine « Grand Magasin » pour laquelle il crée une série d’images inspirées par ce lieu et ses situations de vie.

Images fixes, natures mortes, portraits fantasmés de clients ou du personnel, photos de groupe fantaisistes viendront raconter en filigrane les univers de 15 lauréats emblématiques du prix : la Maison Martin Margiela, Christophe Lemaire, Véronique Leroy, Jean Touitou (APC), Viktor & Rolf, Jeremy Scott, BLESS, Felipe Oliveira Baptista, Yazbukey, Gareth Pugh, Giles Deacon, Anthony Vaccarello, Yiqing Yin, Julien David et AMI – Alexandre Mattiussi.

Avec ce projet, Philippe Jarrigeon compose un idéal de grand magasin et vient célébrer 25 ans de mode dans un univers festif et inédit.
Henri Matisse - La...

Reproduction en sérigraphie d'une composition originale de Henri Matisse pour la quatrième de couverture du catalogue de la chapelle du Rosaire des dominicaines de Vence – 1951. Sérigraphie par l’atelier Œil du Lynx, Paris. Papier : vélin d'Arches 200 g. © Succession Henri Matisse, 2010.

Existe en deux formats :

Sérigraphie petit format
Format : 18 x 25 cm (sous marie-louise)

Sérigraphie grand format
Format : 63 x 45 cm
Henri Matisse - Nu...

Édition d'une des figures emblématiques du travail de papiers découpés de Henri Matisse : Le « Nu Bleu II assis ». Chaque exemplaire est mis en couleur à la main au pochoir sur papier vélin d'Arches 250 g d'après la couleur originale des chutes des papiers gouachés découpés de l'artiste spécialement procurés par la Succession H. Matisse pour cette édition. Pochoirs par l’atelier Atelier du coloris à la main, Ploubalzanec. © Succession Henri Matisse, 2005
Créations à Sèvres...

Ces deux volumes présentent les œuvres et décors contemporains crées à la Manufacture de Sèvres par des artistes internationaux – peintres, sculpteurs, ou designers – de 1965 à aujourd’hui.
Chaque volume comporte 24 planches d'illustrations sur vélin d'Arches imprimées en phototypie et mises en couleurs au pochoir à la main par un atelier d’art. Décors et formes originaux d'artistes contemporains sont présentés dans cette suite exceptionnelle de planches rassemblées dans un étui portfolio.
Les textes comprennent, pour le volume 1 : une introduction de Georges Touzenis (Directeur de la manufacture de Sèvres 1993-2003) et pour le volume 2 : une préface de David Caméo (Directeur de la manufacture de Sèvres), avec un texte de Serge Gauthier et Tamara Préaud. Chaque volume comporte une notice documentaire sur le travail des artistes à Sèvres et les œuvres présentées.

Réalisation au pochoir par l’Atelier du Lys, Paris. Le volume 2, comporte une édition de tête accompagnée d'une estampe originale au pochoir (24 x 30 cm) de Philippe Favier, limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée. Deux séries ont été réalisées par l'artiste, l'une numérotée de 1 à 40 et l'autre de I à XL ; les deux séries présentent une différence dans les couleurs utilisées par l'artiste (blanc et blanc/or). Le tirage de tête est attribué par ordre et selon les exemplaires disponibles de l'une ou l'autre série.

Artistes :
Volume 1 :
Alechinsky, Arp, Buraglio, Calder, Debré, Dietman, Jim Dine, Downing, Favier, Fance Franck, Gilioli, Hajdu, Matta, Morellet, Peduzzi, Penalba, Piza, Poliakoff, Saxe, Sottsass, Betty Woodman.

Volume 2 :
Agam, Geneviève Asse, M. Brétillot, Briggs, Louise Bourgeois, Calder, Convert, Gotscho, A. d’Huart, M. Karella, Lacalmontie, Lalanne, Mathieu, Aurélie Nemours, Piffaretti, Plensa, A. et P. Poirier, Renonciat, Seuphor, Sipek, Sottsass, Soulages, Zao-Wou-Ki.
Karina Bisch - Arlequine

Invitée par la Galerie des Galeries (Paris), Karina BISCH investit pleinement l’espace d’exposition des Galeries Lafayette dédié à la création contemporaine grâce à la carte blanche qui lui est offerte.

Inspirée par le modernisme, dotée d’un grand sens de la couleur, sensible à l’histoire des arts appliqués, l’artiste a développé depuis les années 2000 une peinture graphique envoûtante qui ne cesse d’interroger l’origine et l’usage des formes.

Pour l’exposition « Arlequine », Karina Bisch décide de présenter des oeuvres récentes qu’elle donne à voir dans un dispositif inédit. L’ensemble des murs de l’espace sera recouvert d’une toile peinte de motifs en noir et blanc qui plongera le spectateur dans un univers total. Des fenêtres créées dans la toile laisseront apparaître des peintures en couleur. Au milieu de l’espace, six personnages revêtus de tenues créées par l’artiste, viennent activer l’exposition. Karina Bisch est une artiste coloriste qui joue avec différents supports, différents médiums. Elle ne cesse d’interroger l’Art moderne, de le revisiter en le confrontant aux arts appliqués.

Expositions récentes (sélection)

2009, 2010, 2014 : Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
2014 : FRAC Ile-de-France, Paris
2014 : Stedelijk Museum (Musée d’Art moderne de la ville
d’Amsterdam), Amsterdam
2013 : Hilary Crisp gallery, Londres
2012 : Galerie Francesca Pia, Zurich